Man and art are mutually dependent. It is often surprising how little space is given to people when it comes to forms of presentation within museums, galleries, exhibitions. Prêt-à-parler shares individual associations and thoughts gained from a sustained and personal focus on art. The project therefore combines the inherent expressiveness of each artwork or artist with the associative thoughts of people; people who have a lot and important things to say, people who get involved and people who deal with very different topics in their everyday life, such as natural science, design, art criticism, psychology, humanitarian commitment, cultural work, digitization, theater, improvisation. Prêt-à-parler shows a range of media, including video, photography, painting and works on paper and reflects each work through a personal lense from todays perspective. The digital platform is a hybrid that gives space to both – art and people who experience it.

Mensch und Kunst bedingen sich gegenseitig. Es ist daher überraschend, wie wenig Raum dem Menschen eingeräumt wird, wenn es um Präsentationsformen von Kunst geht, sei es in Museen, Galerien oder in Ausstellungen. Prêt-à-parler teilt individuelle Assoziationen und Gedanken, die sich aus einem anhaltenden und persönlichen Fokus auf Kunst ergeben. Das Projekt kombiniert die Ausdruckskraft von Kunstwerken mit den assoziativen Gedanken der Menschen. Menschen, die viel und Wichtiges zu sagen haben, Menschen, die sich engagieren und Menschen, die sich in ihrem täglichen Leben mit unterschiedlichen Themen befassen, wie etwa Naturwissenschaften, Design, Kunstkritik, Psychologie, Kulturarbeit, Digitalisierung, Theater und Improvisation. Prêt-à-parler zeigt eine Reihe von Medien, darunter Video, Fotografie, Malerei und Arbeiten auf Papier, und reflektiert jede Arbeit aus heutiger Sicht durch einen persönlichen Blickwinkel. Das Projekt stellt eine digitale, hybride Plattform dar, die sowohl der Kunst als auch dem Menschen Raum bietet.

Fashion (industry) has always reflected a culture’s priorities and aspirations and is an expression of achievements but also weaknesses. „I cleaned out my wardrobe“ shows an unusual symbiosis of art and fashion within unexpected places. On their forays through the shopping streets of Munich, the „Clothies“ use urban space as a catwalk and public stage creating an expanded place for discussion and discourse. Their expressiveness becomes visible in a new and playful way while the creatures boldly respond to the environment in which we live. Sometimes secretly, sometimes proactively, the artist documents a production and consumption euphoria. Having too much in the wardrobe is a luxury problem of a privileged part of the world. The real-life-sculptures show how much we have and how little we need. Via the digital platform the fleeting encounters and forays are collected and supplemented by text contributions. The project was shown on the occasion of “Making Crises Visible” – an interdisciplinary exhibition project. Despite their cosmopolitanism, people appear as deficient beings and seem to be trapped in the tragedy of the commons.

Die Mode (Industrie) reflektiert seit jeher die Prioritäten und Bestrebungen einer Kultur und ist Ausdruck von Errungenschaften, aber auch Schwächen. „I cleaned out my wardrobe“ zeigt eine ungewöhnliche Symbiose von Kunst und Mode an unerwarteten Orten: Auf ihren Streifzügen durch die Münchner Einkaufsstraßen und Erholungsräume, nutzen die „Clothies“ den urbanen Raum als Laufsteg und öffentliche Bühne und schaffen einen erweiterten Diskussions- und Erfahrungsraum. Sie offenbaren die gegenwärtige Sehnsucht nach einem minimalistischen und zugleich einfacheren Leben. Das „zu viel haben“ und „zu viel haben wollen“ ist zu einem Luxusproblem in einer von Massenproduktion und -konsum geprägten, globalisierten Welt geworden. Mal heimlich, mal proaktiv dokumentiert Toni Meyer eine Produktions- und Konsumeuphorie. Über die digitale Plattform werden die flüchtigen Begegnungen und Streifzüge der „Clothies“ gesammelt und durch Textbeiträge ergänzt. Das Projekt wurde anlässlich der interdisziplinären Ausstellung „Making Crises Visible“ gezeigt. Trotz seiner „Weltoffenheit“ erscheint der Mensch hier in Anlehnung an Arnold Gehlen als „Mängelwesen“. Ohne allzu mahnende Geste erfolgt der Verweis auf die Allmendeklemme und die zugrundeliegende Konsumethik und Konsumästhetik.

How do you create a new, green entrance to the city? And how do you combine the functional requirements of a central station with an attractive park for everyone?
raumwerk’s architects explain what lies behind their idea for the redesign of Dortmund Central Station and its surroundings! The concept of raumwerk is the winning design of the urban planning competition „Hauptbahnhof Umfeld Nord“ in Dortmund, 2017. In summer 2020, the Dortmund City Council decided to redesign the main station according to raumwerk’s plans.

Wie schafft man einen neuen, grünen Eingang in die Stadt? Wie kombiniert man die funktionalen Anforderungen an einen Hauptbahnhof mit einem attraktiven Park für alle?
Das Konzept von raumwerk ist der Siegerentwurf des städtebaulichen Wettbewerbs „Hauptbahnhof Umfeld Nord“ in Dortmund, 2017. Im Sommer 2020 beschloss der Dortmunder Stadtrat, den Hauptbahnhof nach den Plänen von raumwerk neuzugestalten. Die Architekt*innen von raumwerk erklären, was hinter ihrem Entwurf für die Umgestaltung des Dortmunder Hauptbahnhofs und dessen Umfeld steckt!

SEEHOF reflects a key ambition and vision of Aileen Treusch: to embrace and foster art in-the-making within the context of urban development. The research platform and think tank aims to overcome traditional boundaries within art and cultural practice and applies artistic approaches to domains beyond. Public space is considered as a complex functional system and space for urban societies, which serves democratic processes and the encounter of people. When places emerge through revitalization or new neighborhoods, the question of including art as part of building culture arises. The growing significance of public space and its design could be seen as an exciting re-call for artists and creatives to engage themselves and shape city environments. SEEHOF accompanies this process, develops concepts and ideas and analyzes the added value for everyone involved: municipalities, investors, artists, residents and visitors. Art in public space opens up new perspectives and experiences. It is an enrichment for everyone and contributes to the identity of cities.

„Art in the city creates friction that has an extraordinary potential for creativity and discours, culminating in a plurality of processes and activities. Art not only makes the world more beautiful and inspiring, it makes the world a better place for people to live together. Art makes cities.“
(Aileen Treusch)

SEEHOF spiegelt ein zentrales Anliegen und eine Vision von Aileen Treusch wider: die Entstehung von Kunst im Kontext städtebaulicher Prozesse zu etablieren und zu fördern. Die Plattform erforscht bestehende Grenzen innerhalb der Kunst- und Kulturpraxis, um diese zu überwinden und künstlerische Arbeitsweisen sowie künstlerisches Schaffen jenseits traditioneller Tätigkeitsfelder zu etablieren. Insbesondere der Bedeutungszuwachs und der Wandel öffentlicher Räume entfaltet eine Dynamik, die auch die Kunst berührt und das Themenfeld „Kunst im Stadtraum“ in seiner ganzen Komplexität sehr spannend macht. Bei der Entstehung von neuen Orten durch Revitalisierung, Modernisierung oder dem Neubau ganzer Quartiere stellt sich die Frage nach dem Einbezug von Kunst als Teil der Baukultur. SEEHOF begleitet diesen Prozess, entwickelt Konzepte und Ideen und analysiert den Mehrwert für alle Beteiligten: Kommunen, Investoren, Künstler, Anwohner und Besucher. Der öffentliche Raum wird als komplexes Funktionssystem und Raum für städtische Gesellschaften betrachtet, der demokratischen Prozessen und der Begegnung von Menschen dient. Kunst im öffentlichen Raum eröffnet neue Perspektiven und setzt der eindimensionalen Betrachtung von Raum und der wirtschaftlichen Verwendbarkeit etwas entgegen: das Anliegen, dass der Raum viele Bedeutungen und Funktionen haben kann und die Identität von Städten prägt.

 „Kunst in der Stadt schafft Reibung, die ein außergewöhnliches Potenzial für Kreativität und Diskurse hat und in einer Vielzahl von Prozessen und Aktivitäten gipfelt. Kunst macht die Welt nicht nur schöner und inspirierender, sie macht die Welt auch zu einem besseren Ort an dem Menschen zusammenkommen und leben. Kunst macht Stadt.“ (Aileen Treusch)

„FLOW – Ideas never stop“ is the winning design of the international urban planning competition “Blaugrüner Ring” for the city of Düsseldorf straddling art, architecture and urban development. The rivers „Düssel and Rhein“ serve as site, substance, symbol and sources of ideas, to create a continuous flow of new impressions and inspirations.

In many cities, the connection with a river has been downplayed over time although water has always offered numerous services for people: It is a route for travel and subject of many artworks. Global challenges such as increasing urbanization, climate and demographic change require an urban development that integrates and promotes the welfare effects of natural living space structures. FLOW is more than leisure & pleasure, more than city beaches or swimming pools and baths. FLOW re-embraces waterways! Innovative planning and usage concepts take into account the increase in importance and change in public spaces as a complex functional system and free space for city societies, which serves democratic processes and the encounter of people. Much of the gained additional space results from applying the design principle „streets for people“. City walks lead into an immersive tour through a cultural landscape were people are interconnected to urban space through art, culture, architecture and nature, watching life float by. The tour embeds museums, concert halls, art academy, stages and galleries into a coherent urban ensemble.

Nach was suchen wir, wenn wir von einer erlebbaren Stadt- und Kulturlandschaft sprechen und welche Rolle übernimmt dabei die Kunst in Verbindung mit der Gestaltung des öffentlichen Raums?
„FLOW – Ideas never stop“ ist der Siegerentwurf des internationalen städtebaulichen und künstlerischen Wettbewerbs “Blaugrüner Ring” in Düsseldorf. Kunst und Kultur fallen hier in eins mit Stadtentwicklung. Die beiden Flüsse „Düssel“ und „Rhein“ dienen als Ort, Wirklichkeit, Symbol und Ideenquelle, um einen kontinuierlichen Fluss immer neuer Eindrücke und Inspirationen zu schaffen.

In vielen Städten wurden die Bezüge und Verbindungen zu Flüssen im Lauf der Zeit vernachlässigt. Bis heute ist das Wasser gleichermaßen Verkehrsweg, verbindendes Element und Motiv zahlreicher Kunstwerke. Weltweite Herausforderungen, wie die zunehmende Urbanisierung, der Klimawandel und der demografische Wandel erfordern eine Stadtentwicklung, die eine Wohlfahrtswirkung natürlicher Lebensraumstrukturen integriert und fördert. FLOW ist mehr als Freizeit und Vergnügen, mehr als Stadtstrände und Schwimmbäder. FLOW stiftet neue Verbindungen zum Wasser über Stadt Land und Fluss. Der öffentliche Raum wird als komplexes Funktionssystem und Raum für Stadtgesellschaften betrachtet, der demokratischen Prozessen und der Begegnung von Menschen dient. Ein Großteil der gewonnenen Flächenpotentiale ergibt sich aus dem Gestaltungsprinzip „Straßen für Menschen“ in Folge innovativer Planungs- und Nutzungskonzepte, die den Bedeutungszuwachs und den Wandel öffentlicher Räume berücksichtigen. Der Stadtdurchschreitende kann sich auf einen fließenden Rundgang durch die Stadt begeben und erlebt dabei, wie sich der Mensch mit dem Stadtraum über Kunst, Kultur, Architektur und Natur verbindet. Der Rundgang verbindet Museen, Konzertsäle, Kunstakademie, Bühnen und Galerien zu einem räumlich zusammenhängenden urbanen Ensemble. So entsteht ein “Flow of Ideas”. Aus einer Kulturstadt wird eine städtische Kulturlandschaft.

Mehr zum Rundgang durch eine einzigartige Flanier- und Kulturlandschaft.

Since ancient times to the present day the human body is a central theme of artistic reflections. Through various strategies the approach to the body is a way of showing and staging of identity, beauty and power. The body raises questions about one’s own innate individual identity, it is the meaning of expression of one’s own emotions and at the same time gives us protection, freedom or even limitation. It serves to demonstrate power in different ways – political, psychological, social, financial or sexual power as well as in the family. The body sometimes embodies stereotypical role models, which also remind us of the supposed dichotomy of body and soul. The tension between body and mind are immanent in art. The biological and psychological sex (sex and gender) are not necessarily the same in one person. Art always resumes a fresh view on the body, creates confusions about the own identity and gender, as well as upon age and different phases of life.

Der menschliche Körper ist von der Prähistorie bis heute ein zentrales Thema künstlerischer Reflexionen. Qua verschiedener Strategien erfolgt seit jeher eine Annäherung an den Körper über die Darstellung und Inszenierung von Identität, Schönheit und Macht. Der Körper wirft Fragen über die eigene, angeborene, individuelle Identität auf; ist Ausdrucksfläche der eigenen Emotionen und zugleich schützende Hülle; Freiheit oder Beschränkung. Er dient als Objekt um politische, psychologische, soziale, familiäre, finanzielle oder sexuelle Macht zu demonstrieren und verkörpert dabei mitunter stereotype Rollenbilder, die ebenso an die vermeintliche Dichotomie von Leib und Seele erinnern. Der Kunst immanent ist das Spannungsfeld von Körper und Geist. Das biologische und psychologisches Geschlecht (Sex und Gender) sind nicht zwangsweise dasselbe in einer Person. Die Kunst nimmt den Körper immer wieder neu in den Blick, thematisiert Verwirrungen über die eigene Identität und das Geschlecht, sowie über das Alter und Lebensphasen.

Der Ausstellungsgestaltung sind die zwei zentralen Begriffe zugrunde gelegt, die für die Bedeutung des Buddenbrookhauses und das Künstlertum der Familie Mann stehen: Die Sprache, also Ausdruck der Kraft des Wortes und das Buch als Form und Gefäß der schriftstellerischen Genieleistung. Für die chronologisch-biografischen Stationen wurde ein Holzmöbel in rechtwinkeliger L-Form konzipiert, das sich aus dem aufgeklappten Buch ableitet und den Raum auf unterschiedliche Weise gliedert. Die ‚abstrahierten Bücher‘ werden durch Einbauten zu Displays. Sie dienen je nach Exponat als Vitrine, Bücherregal, Aufbewahrungsschrank, Projektionsfläche, Pinnwand und vieles mehr. Der fiktiv-literarische Teil der Literatur-Inseln nimmt Gestalt in klassischen, hölzernen Lesepulten als Innbegriff der konzentrierten Hingabe und Aufnahmen von Sprache und Text. Die Pulte, multimedial mit Sound, Video, Ipad oder Schreibevorrichtung ausgestattet, können alleine, als Duo, oder im Kreis aufgestellt als vielseitiges Hauptausstellungsmedium dienen.

Über die zentrale, alle Stockwerke überwindende, repräsentative Treppe betritt der Besucher die oberste Ausstellungsebene des Dachgeschosses. Der erfolgreiche Aufstieg der Kaufmannsfamilie Buddenbrook und die Bedeutung der Hanse- und Handelsstadt Lübeck wird hier körperlich nachempfunden. Von der obersten Ebene führt die Ausstellung abwärts und thematisiert sowohl den Verfall als auch die Errungenschaften der Schriftstellerfamilie Mann. Der Verfall der Kaufmannsfamilie wird über das kontinuierlich physische »Abwärts« inszeniert und führt am Ende des Rundgangs »Vom Elternhaus zur Menschheit« hinaus in die Welt und die Rezeptionsgeschichte.

Es sind großformatige Gesichter von Menschen, in die der Stadtdurchschreitende blickt, die aus der Unsichtbarkeit ihrer Unterbringungen an ungewöhnlichen Orten in der Stadt an etlichen Gebäude- und Baustellenfassaden auftauchen und sich aus der Abstraktion des bloßen Begriffes »Flüchtling« lösen. Sie erzählen von einem »Fremdsein unter Fremden«. NEW CITIZENS ist der Titel der jüngsten Portraitserie des Künstlers Vitus Saloshanka und zugleich der Name eines Ausstellungsprojektes im öffentlichen Raum in Stadt Frankfurt. Für NEW CITIZENS portraitierte der Künstler über ein Jahr Geflüchtete in einem Wohnwagenstellplatz am Rebstockbad einzeln, um sie im öffentlichen Raum ausstellen zu können. Zusammen mit Juliane von Herz Advisory entwickelte Faktory aus der Serie eine mehrwöchige urbanen Schau in Frankfurt auf Gebäuden- und Baustellenfassaden im Sinne einer Portraitgalerie. Begleitet wurde es von einem umfangreichen Programm, das vom öffentlichen Konzert über politische Debatten, Filmprogramm bis hin zu einem NEW CITIZENS Club-Abend im AMP reichte.

Der Titel der Werkgruppe zielt mitten ins politische Spannungsfeld der aktuellen Flüchtlingsdebatte. Es wurden andere Bilder gezeigt als die bekannten, durch die Medien unendlich reproduzierten: Keine Flucht, keine anonymen Gruppen, keine Gegenwartskrisenbilder. Mit der plötzlichen Sichtbarkeit der Menschen, die längst die Stadt mit bewohnen, taucht unweigerlich die Frage auf, die schon Hannah Arendt stellte und die im Rahmen des Begleitprogrammes bei einer Podiumsdiskussion kritisch diskutiert wurde: Wem wird welches Menschenrecht zuteil und gibt es eines für alle, oder mehrere für manche? Wer ist nur Bewohner, wer Bürger einer Stadt, wie erwirbt man Bürgerrecht? Saloshankas Portraits, feiern das Individuum und zugleich seine vor allem herkunftsunabhängige und unantastbare Würde.

“I wanted to look at people as human beings, to present them as individuals first.” (Vitus Saloshanka)

„NEW CITIZENS seeks to spread a discourse of understanding and welcoming cultural differences within urban development processes of Frankfurt.“ (Aileen Treusch)

Die Gegend des HAUSES,
die Gegend der AUGEN,
die Gegend der NASE,
die Gegend des MUNDES,
die Gegend der OHREN,

ist die Gegend des TISCHES,
ist die Gegend des SCHRANKES,
ist die Gegend des BETTS,

ist das ZIMMER MIT AUSSICHT.

Die individuellen Bedürfnisse an Wohnen wandeln sich stetig und sind so vielfältig wie unsere Gesellschaft. Als Folge der Globalisierung leben immer mehr Menschen für immer kürzere Zeiträume in Metropolen, teilweise an mehreren Orten gleichzeitig. Wohnen und Leben der Zukunft sollte daher diesen Menschen, eine individuelle „Heimat“ in urbanem Kontext ermöglichen und die Vorteile von innerstädtischer Vielfalt, Verkehrsanbindung und Rückzugsort miteinander kombinieren.

Das Festival POESIE DES WOHNENS thematisierte Wohnbedürfnisse einer heterogenen Stadtbevölkerung und diskutierte ‘experimentelle Zonen der Nutzungsmischung’ im Kontext von Stadtentwicklung auf architekturtheoretischer wie auch performativ-künstlerischer und gestalterischer Ebene. Durch einen interdisziplinären Austausch von Architekten, Designern, Künstlern, Stadtplanern, Musikern, Politikern und Bewohnern der Stadt wurden die Fragen in einem öffentlichen Diskurs gestellt. Unter Beteiligung namhafter Experten soll hierdurch eine Grundlage für innovative Ideen zur nachhaltigen Stadt-, Regional- und Gebäudeplanung geschaffen werden. Das Projekt entstand im Kontext des Architektursommers Rhein-Main und seiner temporären Wirkungsstätte – dem »Zukunftspavillon«. In direkter Nachbarschaft zum Pavillon auf dem Frankfurter Rossmarkt wurde eine ‚micro residence‘ aufgestellt, die eine temporäre und öffentlich exponierte Wohnsituation auf einem innerstädtischen Platz erzeugte und von einem Artist-in Residence bewohnt wurde. Gleichzeitig fand eine Best-Practice Ausstellung statt und stellte eine Arealentwicklung im Züricher Norden als Leuchtturmprojekt für nachhaltiges genossenschaftliches Wohnen vor: Das Hunziker-Areal – eine Siedlung, die Quartier und Vorbild sein will. Begleitet wurde das Festival von einem umfangreichen Programm, das vom öffentlichen Konzert und Performances über politische Debatten, Architektur-Talks und einem Pecha-Kucha Abend bis hin zu einem öffentlichen  Abschlusskolloquium reichte.

„I was particularly fascinated by Max Hollein’s innovative and trend-setting strategy, which not only shaped the institutions in their external perception but also established a successful (American) model of event marketing. I was mainly involved with measures to revitalize the Liebieghaus sculpture collection and my responsibility covered cooperations and (private & public) special events which included conception and implementation.“
(Aileen Treusch)

List of projects:

1. STANDPUNKTE MIT TONY CRAGG
   Städel Museum, artist talk
2. SOMMERKINO
   Städel Museum, public screening
3. LA MANIERA
   Städel Museum, exhibition party
4. LITERATURM
   Städel Museum, literature series & talk, cooperation
5. JAMES TURELL
   Städel Museum, private event
6. GESCHLECHTERKAMPF
   Städel Museum, exhibition party
7. LONG NIGHT OF MUSEUMS
   Städel Museum, concert
   with Ingo Negwer
8. WINTERZAUBER
   Liebieghaus, Christmas Market, cooperation
9. LONG NIGHT OF MUSEUMS
   Liebieghaus, concert
   with Tobias Rüger
10. BILDERWELT DES HOCHKLASSISCHEN ATHEN
    Liebieghaus, scientific colloquium
11. FREILUFTKINO FRANKFURT
    Liebieghaus, public screening, cooperation
12. CAFE IM LIEBIEGHAUS
    Liebieghaus, strategy & utilisation
13. –

‚Smartphone Party 2.0‘ invited visitors to deal with their perception and identity in virtual and physical space. The artist Yu’an Huang transformed various gallery and museum spaces around the world into one fictional virtual space. The interpersonal communication took place through social media (Skype, Facebook, Instagram, etc.), direct verbal communication was not allowed with the exception of looks, laughter and body contact. The gallery rooms in London, Offenbach and Taipei were connected via Skype transmission and projection. The screen as a mediating medium interacts between physical and virtual space.

‚Smartphone Party 2.0 ‚ lud die Besucher ein, sich mit deren Wahrnehmung und Identität im virtuellen und physischen Raum auseinanderzusetzen. Die Künstlerin Yu’an Huang transformierte hierzu Galerier- und Museumsräume in einen fiktiven virtuellen Raum. Eine zwischenmenschliche Kommunikation fand fast ausschließlich durch soziale Medien (Skype, Facebook, Instagram usw.) statt. Direkte verbale Kommunikation war mit Ausnahme von Blicken, Lachen und Körperkontakt, nicht erlaubt. Über Skype-Übertragung und Projektion wurden die Ausstellungsräume in London, Offenbach und Taipei verbunden. Der Bildschirm als vermittelndes Medium interagierte zwischen physischem und virtuellem Raum.

Der Mensch spielt nur, wo er in voller Bedeutung des Worts Mensch ist, und er ist nur da ganz Mensch, wo er spielt.“ (Friedrich Schiller)

Die Intervention auf der Baustelle eines ehemaligen Spielcasinos im Frankfurter Gallusviertel präsentierte zeitgenössische künstlerische Positionen und thematisierte die Bedeutung des Spiels im künstlerischen Schaffensprozess. Sie agierte dabei im Spannungsfeld von Hoch- und Populärkultur ‚Art meets Casino’. Das Konzept basiert auf einer der bekanntesten wissenschaftlichen Abhandlungen des niederländischen Anthropologen Johan Huizinga (1872-1945) wonach der Mensch kulturelle Fähigkeiten vor allem über das SPIEL entwickelt. Sein Erklärungsmodell zeigt die Evolutionsgeschichte des Menschen vom Arbeiter (homo faber) hin zum kreativen intelligenten Wesen (homo ludens) auf. Auch die beteiligten Künstler untersuchen auf unterschiedlichste Weise die Bedeutung und den Einfluss dieses Phänomens auf unsere Gesellschaft; ihre Werke sind Vorboten gleichzeitig Produkte spielerischer Denkprozesse. Die Baustelle wurde als Ort der Transformation inszeniert und begleitete den Wandel des Gutleutviertels von einem industriellen Arbeiterquartier hin zu einem attraktiven Innenstadtstandort.

Ungeachtet der wissenschaftlich annerkannten Vorteile auf die Entwicklung des Menschen bleibt heute zwischen persönlicher und beruflicher Verantwortung und dem eiligen Lebensstil meist kaum mehr Zeit zum Spielen. Gleichzeitig verschwindet der FLOW aus unserem hektischen Stadtalltag; ein nach dem Glücksforscher Mihály Csíkszentmihályi beschriebenes Gefühl ‚völliger Vertiefung und restlosen Aufgehens in einer Tätigkeit‘. In der Nähe zur City, zum Westhafen und zum neuentstehenden Europaviertel sollte die Lagegunst genutzt werden und hierbei zur gesellschaftlichen Vernetzung von Anwohnern und Beschäftigten dienen, sowie den Brückenschlag zu anderen Vierteln leisten. In Ergänzung zur künstlerischen Intervention fand auf dem Gelände der Mittagstisch ‚Korrekt’ mit mehreren und täglich wechselnden Foodtrucks – darunter Goose, Lizzi und Hessen Döner – sowie eine Performance der Künstlergruppe PLAY statt.